Sundance-Veteran unternimmt mit „Rotting in the Sun“ einen wilden Ritt

Silva kehrt mit einem empörenden Film zurück, der die moderne Kultur persifliert

Veröffentlicht

An

Von

Sofern Sie kein Anhänger des Independent-Kinos oder der internationalen Filmfestivals sind, ist Ihnen der Name Sebastián Silva vielleicht noch nicht bekannt.

Der schwule, in Chile geborene Filmemacher – auch bekannt als Musiker und Illustrator – hat in den letzten anderthalb Jahrzehnten viel Aufmerksamkeit auf seine Arbeit gelenkt, angefangen mit einem Gewinn als bester Film bei den chilenischen Pedro Sienna Awards 2008 für seinen Debütfilm – „La Vida Me Mata“ („Das Leben bringt mich um“) – und im Anschluss folgte „The Maid“ aus dem Jahr 2009. Letzterer brachte ihn in die amerikanische Indie-Szene und gewann einen Großen Preis der Jury in Sundance; Der Film erhielt weitere Auszeichnungen, darunter eine Golden-Globe-Nominierung, und etablierte ihn als aufstrebenden jungen Regisseur. Seitdem hat sein Ruf „Indie-Lieblings“-Schauspieler wie Kristen Wiig, Juno Temple, Michael Cera, Gaby Hoffman und Alia Shawkat in seine Filme gelockt, und im Laufe der Zeit hat er weitere Auszeichnungen und Auszeichnungen erhalten.

Dennoch sind die Filme, die Silva macht, nicht gerade die Art, die leicht in den Mainstream übergehen, und eine breitere Anerkennung ist ihm bisher verwehrt geblieben. Dennoch bleibt er ein Festivalfavorit, da er zweimal triumphierend nach Sundance zurückkehrte, um seine Werke zur Uraufführung zu bringen, zuletzt mit„In der Sonne verrotten“ das Anfang des Jahres auf dem Festival debütierte. Der Film, der nun am 8. September in begrenztem Umfang in die Kinos kommt und eine Woche später auf digitalem Weg erscheint, könnte der Film sein, der dem vielschichtigen Filmemacher endlich die Aufmerksamkeit verschafft, die er verdient – ​​wenn auch vielleicht nicht aus den Gründen, die er sich vielleicht wünscht.

Regie führte Silva nach einem Drehbuch, das er gemeinsam mit seinem häufigen Mitarbeiter Pedro Peirano schrieb. Sein kryptisch betitelter Film punktet allein schon durch seine Kühnheit mit seiner Prämisse. Indem er sich selbst und den echten Social-Media-Star Jordan Firstman als fiktive Versionen seiner selbst darstellt, spinnt der Filmemacher eine empörende Erzählung über den Strom der Ereignisse, die sowohl die Selbstbesessenheit als auch den ständig abgelenkten Zustand der modernen Kultur brutal persifliert und gleichzeitig das Geschäft des Filmemachens aufspießt und „Erstellung von Inhalten“ und bietet gleichzeitig einen scharfen, schwarzhumorigen Kommentar zum Einfluss der wirtschaftlichen und sozialen Klasse auf die menschliche Erfahrung.

Das hört sich nach einer Menge zu jonglieren in einem einzigen Film an, vor allem bei einer Laufzeit von weniger als zwei Stunden, aber das Drehbuch von Silva und Peirano schafft es geschickt mit einer aufwendig ausgearbeiteten Struktur, die uns durch eine verdrehte Handlung führt, die beginnt, wenn der Der fiktive Sebastián – nihilistisch, menschenfeindlich und süchtig nach Ketamin und Poppers – unternimmt auf Anraten seines besten Freundes (Mateo Riestra) einen spontanen Ausflug in ein FKK-Strandresort für Schwule. Dort trifft er auf den geselligen und extravaganten Firstman, einen Fan seiner Arbeit, der ihn aggressiv um eine engere Beziehung bittet, sowohl privat als auch beruflich. Da seine Karriere ins Stocken geraten ist und seine Finanzen versiegen, willigt Silva zögernd ein, an einer Show mitzuarbeiten, und lädt Firstman ein, bei ihm in Mexiko-Stadt zu bleiben, während sie daran schreiben.

Von da an laufen die Dinge nicht ganz so, wie wir es erwarten. Obwohl wir auf eine Romanze vorbereitet sind, bei der „Gegensätze sich anziehen“, begleitet von einem verwirrenden Aufeinandertreffen von Silvas existenzieller Trostlosigkeit mit der lebensbejahenden Positivität seines freudigen, hedonistischen Gegenstücks, nimmt eine unerwartete Wendung der Ereignisse einen neuen Lauf; Liebeskomödie-Tropen weichen einem krassen und erschütternden Mysterium, in dessen Mittelpunkt Silvas langjährige Haushälterin Vero (Catalina Saavedra) steht, und der Film wird zu einem packenden Thriller, der Spannung mit sozialen Kommentaren und starkem Surrealismus zu einem wilden Ritt verbindet, der in der Lage ist, das zu schaffen Herz klopft und der Kopf dreht sich. Wir könnten noch mehr sagen – andere Rezensenten haben es getan, was ihre Arbeit erleichtert, dabei aber einige der elektrisierendsten Überraschungen des Films zunichte gemacht hat –, aber dies zu tun wäre sowohl für Silvas akribische Bemühungen bei der Ausarbeitung der Erzählung als auch für die Freude des Zuschauers, sie zu erleben, kein Gefallen aus erster Hand.

Das macht es notwendig, über manche Dinge „rumzureden“; Wir können zum Beispiel nicht alles sagen, was wir uns über Saavedra – ihre Rückkehr zu Silva, nachdem sie die Titelrolle in „The Maid“ gespielt hat – und ihre Leistung wünschen, ohne wichtige Informationen preiszugeben; Streng unsentimental, voller Emotionen, die den meisten von uns unangenehm sind, hängt der Film von ihrer Darstellung dieser Figur ab, und sie beherrscht sie vollständig.

Wir können auch nicht viel über die bemerkenswerte Bewegung der Geschichte sagen, die durch das Drehbuch vorgegeben und durch die geschickte, stets fließende Handkamera-Herangehensweise des Kameramanns Gabriel Díaz Alliende vorangetrieben wird, die einem einzigartigen Strang von Ursache und Wirkung durch ein ... folgt Kurs, der durch zufällige Ereignisse und unvermeidliche Konsequenzen gekennzeichnet ist und sich wie ein kompliziertes Labyrinth fallender Dominosteine ​​abspielt; Wir können auch nicht im Detail auf die Beobachtungen eingehen, die der Film über die Kluft zwischen den Privilegierten und den ihnen dienenden Unterschichten macht, die in so unterschiedlichen Welten leben, dass selbst die einfachsten Interaktionen zwischen ihnen oft durch die Unfähigkeit, miteinander zu kommunizieren oder sie zu verstehen, erschwert werden andere über die Lücke.

Allgemeiner können wir sicherlich über die Vorliebe des Films für Ironie sprechen; in der Tat triefen seine erhabensten Momente davon, und es liefert die Unterströmung für den Ton des existenziellen Absurdismus, in den Silva seinen Film eintaucht; Denn täuschen Sie sich nicht: In diesen „existenziellen Sommer“, der von Filmen wie „Asteroid City“, „Barbie“ und „Oppenheimer“ geprägt ist, passt „Rotting in the Sun“ genau – obwohl es, was es wert ist, ein unausweichlicher Schrecken ist wird durch eine Art humanistisches Mitgefühl konterkariert, das zwar nicht alles in eine Schicht von Süße und Licht taucht, aber einen großen Beitrag dazu leistet, unsere Hoffnung für die Menschheit zumindest einigermaßen intakt zu lassen.

Zuletzt können wir über die Penisse sprechen. Ja, davon gibt es viele, und auch ein paar Szenen mit nicht simuliertem Schwulensex; Die meisten davon spielen sich in den frühen Szenen im Resort ab, und obwohl es falsch wäre zu sagen, dass sie für den größeren Zweck von Silvas Film irrelevant sind, sind sie sicherlich nicht der Sinn des Films, was ihn dazu veranlasste, in einem Variety-Interview zuzugeben, dass er hatte „ein bisschen Angst, dass sich viele Leute auf die Schwänze konzentrieren würden.“ Erwartungsgemäß scheinen die meisten Kritiken (einschließlich dieser, wie es scheint) und ein Großteil der Werbung für den Film darauf ausgerichtet zu sein, uns wissen zu lassen, dass sie da sind.

Letztlich geht es in „Rotting in the Sun“ natürlich um viel mehr als nur Schwänze; Es geht auch um viel mehr als die verschiedenen menschlichen Anmaßungen, Konstrukte, Wahnvorstellungen und Funktionsstörungen, die es sowohl hervorruft als auch vor denen es uns zu warnen scheint. Wie alle großen Filme enthält er all diese Dinge in einem größeren Bild, das auf eine allumfassendere Perspektive auf das Leben hinweist – und versucht bewundernswerterweise nicht, uns zu sagen, was wir davon halten sollen, auch wenn es uns zu einer anderen führen könnte Ein oder zwei kleinere Schlussfolgerungen darüber, wie wir auf diesem Weg miteinander umgehen.

Seien Sie gewarnt: Obwohl „Rotting in the Sun“ angeblich eine Komödie ist, ist es kein Film für schwache Nerven, und es sollte beachtet werden, dass er Themen von Selbstmordgedanken behandelt, die bei einigen Zuschauern auslösen könnten.

Wenn Sie sich davon nicht abschrecken lassen – und wenn Ihr Interesse durch all die Dinge geweckt wird, die wir nicht sagen konnten – dann sind Sie herzlich eingeladen, den Film bei nächster Gelegenheit anzuschauen. Wir garantieren, dass Sie sich später an den Namen Sebastián Silva erinnern werden.

„Every Body“ wirft das längst überfällige Rampenlicht auf das Leben von Intersexuellen

DC-Klage behauptet, AARP Services habe einen schwulen Mann illegal entlassen

Mexiko-Stadt ist Gastgeber der LGBTQ-Konferenz, einer Konferenz über die Rechte von Intersexuellen

Chilenischer Gesetzgeber weist Beschwerde gegen homosexuellen Bildungsminister zurück

Drei Aktivisten überwinden eine von Scham geprägte Kindheit

Veröffentlicht

An

Von

Selbst innerhalb der größeren LGBTQIA+-Community bleiben intersexuelle Menschen für die meisten von uns ein Rätsel.

Das soll niemanden auf einen Schuldtrip schicken; Es ist lediglich eine Beobachtung, die auf die Macht des Stigmas hinweist, das intersexuelle Geschichten in den staubigen Schränken medizinischer Forschungshallen begraben hat, obwohl die anderen Segmente der queeren Bevölkerung zunehmend vertreten wurden – und damit die Chance, ihre Wahrheit auszudrücken – im öffentlichen Raum. Geleitet von unbestrittenen Annahmen über „natürliche“ Ausdrucksformen des Geschlechts hat das wissenschaftliche und medizinische Establishment lange Zeit die Fakten über intersexuelle Menschen verschleiert, oft sogar von den Eltern intersexueller Kinder, da diese autokratische Entscheidungen über medizinische Verfahren trafen, um ihre Wahrnehmung zu „korrigieren“. als „Fehler“ der Natur. Wie kann jemand seine Wahrheit mit der Welt teilen, wenn sie auch vor ihm immer geheim gehalten wurde?

Wie in „Every Body“, dem Dokumentarfilmprofil von „RBG“-Regisseurin Julie Cohen über drei prominente intersexuelle Personen (nach einem Kinostart Anfang des Sommers jetzt auf Peacock gestreamt), lautet die Antwort auf diese Frage, dass sie es nur schaffen können, indem sie Sie schmieden eine neue Wahrheit, basierend auf ihrer eigenen Erfahrung und unabhängig von den Erwartungen anderer.

Die drei Themen des Films – Schauspieler/Drehbuchautor River Gallo (sie/sie), politische Beraterin Alicia Roth Weigel (sie/sie) und Ph.D. Der Student Sean Saifa Wall (er/er) hat jeweils eine von Scham und Geheimhaltung geprägte Kindheit hinter sich gelassen und ist in ein blühendes Erwachsenenalter übergegangen, in dem sie als ihr authentisches Selbst gelebt haben – etwas, das nur durch die Entscheidung möglich wurde, den medizinischen Rat, die Realität ihres Körpers geheim zu halten, zu missachten . Als Anführer und Befürworter einer globalen Bewegung für ein besseres Verständnis der intersexuellen Gemeinschaft teilen sie die Lebenserzählungen, die sie dorthin geführt haben – sowohl die, die ihnen und ihren Familien von Geburt an aufgezwungen wurden, als auch die, die sie selbst geschrieben haben für sich selbst.

In diesen Profilen ist eine historische Geschichte über den äußerst einflussreichen, aber wenig beachteten Dr. Genauer gesagt handelt es sich um einen seltsamen Fall von medizinischem Missbrauch unter der Obhut von Money, mit exklusivem Archivmaterial aus den Archiven von NBC News und der Aufdeckung der Irrtümer hinter medizinischen Protokollen, die noch Jahre nach ihrer entschiedenen Entlarvung unkontrolliert bestehen bleiben.

Durch diesen umfassenden Blick auf den Kontext, in den intersexuelle Menschen in der Vergangenheit von Ärzten und Psychiatern eingeordnet wurden, löst der Film vielleicht die heftigste emotionale Reaktion beim Publikum aus; Die wahre Lebensgeschichte von David Reimer, dem Gegenstand des Experiments, das schließlich Moneys Werk diskreditieren sollte, ist herzzerreißend, und das Filmmaterial der drei Protagonisten des Films, die die erschütternden Interviews sahen, die der zutiefst geschädigte Reimer gab, als seine Geschichte veröffentlicht wurde, liefert einiges davon einer der bewegendsten Momente des Films.

Tatsächlich war Cohens ursprüngliches Konzept für den Film eine geradlinige Auseinandersetzung mit dem Reimer-Fall, aber nachdem sie sich online mit Weigel und über sie, mit Gallo und Wall, in Verbindung gesetzt hatte, änderte sie die Richtung. Beeindruckt von ihrem Engagement für mehr Verständnis und eine bessere medizinische Versorgung intersexueller Menschen begann sie, ihren Aktivismus und ihr tägliches Leben zu filmen. Wie sie in ihren Pressemitteilungen sagt: „Was als Archivdokumentation begonnen hatte, wurde zu einem Film, der ganz in der Gegenwart spielt.“

Es ist ein Wandel in der Herangehensweise, der den Film auf Transzendenz statt Trauma konzentriert. Durch die inspirierenden Sagen seiner drei Hauptfiguren betont „Every Body“ nachdrücklich die Ermächtigung, die mit der Übernahme der Kontrolle über die eigene Erzählung einhergeht, und die Freiheit und Vergebung, die in einem Leben entstehen können, das sich stärker selbst verwirklicht als das, zu dem sie ermutigt wurden oder in jungen Jahren sogar zur Annahme gezwungen. Gallos zärtliche Erinnerungen an ihre Mutter zu beobachten oder zu hören, wie Wall die Entscheidungen seiner inzwischen verstorbenen Eltern angesichts dessen, was sie wussten oder was ihnen gesagt wurde, mitfühlend akzeptierte, ist ein willkommener Kontrast zu dem oft schrillen Dialog, an den wir uns immer mehr gewöhnen Begegnung mit solchen Themen im öffentlichen Gespräch; Gleichzeitig ist es ein zutiefst befriedigender Nervenkitzel, zu sehen, wie Weigel eine texanische Legislative behindert oder einen sichtlich erschütterten Steven Crowder – den umstrittenen konservativen Komiker und Experten, dessen charakteristischer Trick all diese berüchtigten „Change My Mind“-Memes hervorgebracht hat – auf seinem Konto abschaltet eigene Plattform, indem sie ihre simplen Vorstellungen über die Biologie des Geschlechts in Frage stellen und uns daran erinnern, wie beeindruckend wir sein können, wenn wir von einer Wahrheit sprechen, die wir durch gelebte Erfahrung gewonnen haben.

Es sind Szenen wie diese, die die dunkle Last einer weniger aufgeklärten Vergangenheit überwinden und dazu beitragen, dass der Dokumentarfilm in das hoffnungsvollere Licht des heutigen aktiven Kampfes um etwas Besseres rückt. Nachdem diese drei endlich die Autonomie über ihren eigenen Körper beansprucht haben, die ihnen als Kinder verweigert wurde, sind sie bereit, für eine Zukunft zu kämpfen, in der andere wie sie niemals mit dem konfrontiert werden müssen, was sie und unzählige intersexuelle Menschen im Laufe der Geschichte erlebt haben zu erleben. Wenn sich „Every Body“ schließlich ins Hier und Jetzt bewegt, entführt es uns in eine Gemeinschaft von Individuen, die sich trotz der Geheimhaltung gefunden haben und deren Bereitschaft, ihre Wahrheit untereinander und mit ihren Verbündeten zu teilen, besteht hat die Art und Weise verändert, wie eine Generation intersexueller Menschen lernt, über sich selbst zu denken. Es führt uns zu einer Kundgebung, die darauf abzielt, dem Zeitalter der geheimen Operationen, die ohne Zustimmung an Personen durchgeführt werden, die zu jung sind, um selbst zu entscheiden, ein Ende zu setzen und dabei die Lehren und Erfahrungen der Queer- und Trans-Rights-Bewegungen zu bündeln, für die sie vor ihnen arbeiteten ein kultureller Wandel hin zu mehr Akzeptanz, Inklusion und Verständnis. Es gibt uns die Gewissheit, dass die oft schreckliche Misshandlung und erzwungene Konformität der vergangenen Jahrzehnte endlich durch die Art mitfühlender und informierter Führung ersetzt werden könnte, die jeder verdient, wenn es um Entscheidungen geht, die den Kern seiner Identität betreffen. Sorgfältig strukturiert, aber organisch fließend und von einem Sinn für Zielstrebigkeit durchdrungen, der die performative Großartigkeit des Kulturkriegs vermeidet, um die Freude zu finden, die hinter den wirklich überzeugendsten Bewegungen für Veränderung steckt, gibt Cohens Dokumentarfilm sein Statement ab, indem er uns auf der Höhe lässt " Notiz.

Unglücklicherweise fühlt sich der optimistische Ton, der zu Beginn angemessen schien, etwas aus dem Takt geraten, wie bei den meisten Dokumentarfilmen dieser Art, die derzeit auf die Welt kommen, da der heftige Antagonismus gegen alle Segmente der queeren Gemeinschaft immer bedrohlicher wird. Das ist kein Fehler des Films, sondern ein Gradmesser für eine Zeit, die sich etwas prekärer anfühlt, als die meisten von uns sich wohl fühlen, und in der die seit langem bestehende Besessenheit unserer Kultur von einem „entweder/oder“-binären Konstrukt des Geschlechts – schmerzhaft gemacht wird Das erkennt man an der Eröffnungsmontage des Films mit aufwändigen „Gender-Reveal“-Party-Stunts – und wirkt immer mehr wie ein unbeweglicher Keil.

Ungeachtet der aktuellen Stimmungen muss der Kampf jedoch weitergehen, und „Every Body“ ist die Art von Film, der selbst die müdesten Krieger dazu inspirieren kann, gegen die Flut engstirniger Bigotterie vorzugehen, die so sehr darauf bedacht zu sein scheint, unsere Nation zu verschlingen.

Allein aus diesem Grund ist es unsere höchste Empfehlung.

„Ich wollte die Transgender-Erfahrung humanisieren“

Veröffentlicht

An

Von

Es kommt wahrscheinlich selten vor, dass eine Filmkritik mit einem Nachrichtenbericht über ein reales Verbrechen beginnt, aber„Kokomo-Stadt“ist ein seltener Film.

Am 18. April wurde in Atlanta eine Transgender-Frau namens Koko Da Doll tödlich erschossen. Sie war bis zu diesem Datum im Jahr 2023 die dritte schwarze Transgender-Sexarbeiterin, die in der Stadt getötet wurde – und die zehnte transsexuelle, nicht-binäre oder geschlechtsunkonforme Person, die in den USA durch Gewalt starb.

Es war eine Geschichte, die nur begrenzte Schlagzeilen machte, aber im Vergleich (leider) weitaus häufiger als sonst üblich, begleitet von den Tötungen schwarzer Transgender-Sexarbeiterinnen; Das liegt daran, dass Koko – deren „Nicht-Performance“-Name Rasheeda Williams war – eine von vier Transfrauen aus Atlanta und New York City war, die in der von Sundance ausgezeichneten Dokumentation „Kokomo City“ vorgestellt wurden, die im August in begrenztem Umfang in die Kinos kam . 4. und ist jetzt digital und VOD verfügbar. Der Film, der unter anderem von der grenzüberschreitenden queeren Multitalent-Talentin Lena Waithe produziert wurde, bietet ein bemerkenswert offenes, völlig ungefiltertes und völlig unvoreingenommenes Porträt seiner Protagonisten, während sie die gemachten Erfahrungen und Beobachtungen teilen bei der Arbeit.

Im Film gibt Koko – zusammen mit ihren Sexarbeiterinnen Daniella Carter, Liyah Mitchell und Dominique Silver – ausführliche Interviews, in denen sie „realistisch“ über die Perspektive auf das Leben sprechen, die ihnen ihre Arbeit bietet. Manchmal entsetzlich schockierend, manchmal unerschütterlich unverblümt zeichnen ihre Anekdoten ein Porträt der Gesellschaft von unten nach oben; Aber es ist weit entfernt von dem Händeringen und Moralisieren, das manche von einem Film über ein solches Thema erwarten würden, und gibt stattdessen diesen vier völlig selbstbewussten Individuen die Möglichkeit, über all die Heucheleien und sozialen Stigmatisierungen zu sprechen, die unser Leben definieren und einschränken Die Kultur spiegelt die Sichtweise der Kultur auf Sex im Allgemeinen und queeren Sex im Besonderen wider und offenbart gleichzeitig die Intelligenz und das starke Selbstbewusstsein – und ja, auch den ausgeprägten Sinn für Humor –, die notwendig sind, um als Mitglied einer der am wenigsten beachteten Klassen der Welt zu überleben menschliches Wesen. Es ist auf eine Weise transgressiv, die viele erfrischend und sogar aufregend finden werden, andere jedoch entsetzlich.

So sehr wir es uns auch wünschen, die meisten von uns glauben wahrscheinlich, dass das Publikum von „Kokomo City“ wahrscheinlich nicht die Leute umfasst, die es am dringendsten sehen müssen. Diejenigen, die zu restriktiven Urteilen in Bezug auf Sexarbeit und Transsexuelle neigen, werden dies wahrscheinlich nicht zu ihren Streaming-Warteschlangen hinzufügen – eine Schande, wenn auch nur für den Verlust ihrer eigenen Gelegenheit, die Menschlichkeit von Menschen zu erkennen und sich in sie hineinzuversetzen, die sie sonst in ihren Reihen verteufeln würden Vorstellungen. Für den Regisseur des Films ist das jedoch egal – der zweifach für den Grammy nominierte Produzent, Sänger und Songwriter D. Smith, der als erste Transfrau, die in einer TV-Show ohne Drehbuch zur Hauptsendezeit mitwirkte, Geschichte schrieb.

Für ihr Spielfilm-Regiedebüt wollte Smith die Stimmen ihrer Protagonisten nicht nur als Ausdruck der queeren Erfahrung, sondern auch der umfassenderen Erfahrung der Schwarzen hervorheben. Während sie drei Jahre lang mit Freunden auf der Couch surfte und das Material für ihren Film sammelte, ging es ihr in erster Linie darum, die Geschichte zu erzählen, die diese vier Frauen zu erzählen hatten. In seiner endgültigen Form ist ihr Dokumentarfilm ein Zeugnis der individuellen Wahrheit innerhalb einer Dichotomie, die dafür keinen Platz hat; Die schwarze Gemeinschaft als Ganzes, die selbst in der Mainstream-Kultur geächtet und unterdrückt wird, während sie den strengen Akzeptanznormen unterliegt, die in ihren eigenen Traditionen und ihrem Erbe verankert sind, hat seit langem ein besonderes Stigma gegen queere Sexualität. Wie Smith in ihren Pressemitteilungen darlegt: „Viele unserer schwarzen Kinder wachsen mit Angst und Verwirrung auf, weil ihnen traditionelle Werte oder zulässige Gewalt angetan wird, die manchmal zum Tod führt.“ [Es ist] ein Gespräch, das viele, viele Jahre lang gemieden wurde, [das] jetzt im Mittelpunkt steht.“

Ihren vier Gesprächspartnern zufolge verschwinden diese festen Überzeugungen schnell hinter verschlossenen Türen – doch in der Öffentlichkeit halten sich die Vorurteile dennoch hartnäckig. Tatsächlich bot Smith fünf anderen Regisseuren die Möglichkeit an, das Projekt zu leiten, und alle lehnten ab, bevor sie sich entschied, es selbst zu tun.

„Ich habe mir eine Kamera und ein schönes Objektiv gekauft und es selbst gefilmt“, sagt sie. „Kein Assistent, kein Beleuchter, kein Redakteur. Nur die Vision einer Wahrheit.“

Ein Teil dieser Wahrheit, sagt sie, bestand darin, „einen Film zu schaffen, der Menschen außerhalb der LGBTQ+-Community ansprechen könnte“, aber sie wollte auch bei der Darstellung dieser Frauen authentisch sein. Sie verlangte von ihnen, echt zu sein, also musste sie es auch sein.

„Zum Zeitpunkt der Konzeption [des Films]“, sagt sie, „gab es in dieser Erzählung, die ich die ‚Erzählung vom roten Teppich‘ nenne, viele Transgender-Inhalte.“ Es ist, wenn ein engagiertes PR-Team eine Transfrau in ein fantastisches Kleid steckt und sie wie eine Schönheitswettbewerbs-Finalistin sprechen lässt. Das ist nicht unsere wirkliche Erfahrung.“

Sie wollte etwas anderes präsentieren. „Ich wollte etwas Unverfälschtes spüren. Etwas, das wie meine tatsächliche Erfahrung aussieht. Etwas, in dem wir uns alle wiederfinden können. Etwas ohne alle Regeln und Gesetze, die uns als farbige Menschen trennen. Ich wollte, dass diese Mauern niedergerissen werden. In diesem Film konnte ich das Privatleben von vier Transgender-Sexarbeiterinnen teilen, die nie öffentlich vertreten werden. Ich habe den Mädchen Freiheit geboten. Die Freiheit, so zu reden wie wir. Sehen Sie aus wie wir. Machen Sie sich keine Sorgen wegen der Politik. Vergessen Sie Make-up. Machen Sie sich noch heute keine Sorgen darüber, Ihre glamouröse Truppe anzurufen. Erzählen Sie einfach Ihre Geschichte. Ich wollte die Transgender-Erfahrung humanisieren.“

„Kokomo City“, eingefangen in schlichtem, aber stilvollem Schwarzweiß, macht genau das. Indem er vier Frauen ins Rampenlicht stellt, die alles andere als die sogenannte „Norm“ sind und die es gewohnt sind, dass ihre Stimmen zum Schweigen gebracht oder zumindest ignoriert werden, bietet Smith uns eine rohe, aber tiefgründige Perspektive, die das Publikum herausfordert, indem sie sie aufnimmt außerhalb ihrer Komfortzone, hört aber nie auf, unterhaltsam zu sein.

Sicherlich herrscht in „Kokomo City“ eine fast freudige Atmosphäre, was zweifellos vor allem auf das befreiende, kathartische Gefühl der Entlastung zurückzuführen ist, das seine Untertanen verspürt haben müssen, als sie die Chance bekamen, ihre Wahrheit mit der Welt zu teilen.

Leider muss diese Freude nun für immer durch das Wissen getrübt werden, dass Koko, deren Leben so hell auf der Leinwand zu sehen ist, für uns verloren gegangen ist – obwohl die Behörden sagen, dass es keine Beweise dafür gibt, dass ihr Tod durch Homophobie oder Transphobie motiviert war, dies dennoch der Fall ist ein weiteres Opfer des tief verwurzelten Hasses und der Gewalt, die unsere Kultur heimsuchen und Filme wie diesen so sehr, sehr wertvoll erscheinen lassen.

Gleichzeitig ist es beeindruckend, ihre Stimme unter den anderen in Smiths äußerst unterhaltsamem Dokumentarfilm zu hören, der mit dem NEXT Innovator Award und dem NEXT Audience Award des Sundance Film Festivals ausgezeichnet wurde und auf anderen Festivals wie der Berlinale und dem OutFest in LA große Anerkennung fand ein noch größeres Gefühl der Dringlichkeit, ein höheres Gebot, sowohl die Schönheit als auch die Verletzlichkeit von Transfrauen darzustellen, und macht den Film zu einer Feier ihres unauslöschlichen Lichts.

Außerdem wird Smith als Filmemacherin vorgestellt, mit der man rechnen muss, und wir sind gespannt, wohin sie uns als nächstes führt.

Eine aufschlussreiche Stimme, verstärkt durch eine kunstvoll filmische Herangehensweise an das Material

Veröffentlicht

An

Von

Bevor der Roman „Rot, Weiß und Königsblau“ des nicht-binären Autors Casey McQuiston aus dem Jahr 2019 überhaupt gedruckt wurde, wollte Amazon die Filmrechte kaufen.

Es ist leicht zu verstehen, warum. Es ist eine dampfende, aber süße gleichgeschlechtliche Romanze zwischen einem britischen Königshaus und dem Sohn des amerikanischen Präsidenten, die in einer Welt spielt, in der dieser Präsident eine Frau ist. Ja, es ist alles optimistische Fantasie – und das ist natürlich der ganze Reiz. Ist das nicht genau das, worum es im Liebesroman-Genre geht?

Das Buch entwickelte sich zu einem Bestseller und gewann Auszeichnungen bei den 11. jährlichen Goodreads Choice Awards, und Amazon führte die Verfilmung durch und engagierte den mit Tony ausgezeichneten queeren Dramatiker Matthew Lopez („The Inheritance“) nicht nur als Co-Autor Drehbuch (mit Ted Malaher), aber um sein Debüt als Spielfilmregisseur zu geben. Das fertige Produkt, das am 11. August auf der Plattform des Streaming-Riesen erscheint, bestätigt diese Wahl.

Zugegebenermaßen erinnert die Prämisse an einen dieser vielgeschmähten Hallmark-Filme; Der erste Sohn Alex Claremont-Diaz (Taylor Zakhar Perez) ist gutaussehend, charismatisch und beim amerikanischen Publikum beliebt. Auf der anderen Seite des Atlantiks wird der britische Prinz Heinrich (Nicholas Galitzine) – der zweite in der britischen Thronfolge – gleichermaßen verehrt. Natürlich können sie einander nicht ausstehen, aber nach einer Begegnung auf einer königlichen Hochzeit, die sich zu einem peinlichen Vorfall entwickelt, müssen beide „Schadensbegrenzung“ betreiben, indem sie vorgeben, Freunde zu sein. Da sie gezwungen sind, Zeit miteinander zu verbringen, wandelt sich ihre Feindseligkeit bald in etwas anderes und sie geraten in eine sich vertiefende Romanze, die nicht nur die Wiederwahlhoffnungen von Alex‘ Mutter (Uma Thurman) gefährden, sondern auch die alten Traditionen der britischen Monarchie erschüttern könnte Kern.

Es wäre leicht genug, das Ganze als gedankenlosen, von Tropen getriebenen Blödsinn abzutun oder eine Perspektive einzunehmen, aus der das Ganze nur wie eine weitere Wiederholung eines altbewährten, aber unrealistischen „Märchens“ erscheint, wenn das nicht der Fall wäre eine aufschlussreiche Stimme, die durch Lopez‘ kunstvoll filmische Herangehensweise an das Material bewahrt und verstärkt wird.

Indem er sich den Wechsel des Mediums zunutze macht, erreicht Lopez eine Vision von McQuistons Roman, die die Essenz einfängt, die alle „großen“ filmischen Liebeskomödien zu Klassikern gemacht hat. Er verbindet den politischen Idealismus und die soziale Gerechtigkeit, die die Screwball-Klassiker des Goldenen Zeitalters hervorhoben, mit der Eleganz und dem Stil der frecheren „Sex-Farcen“, die später aufkamen, und gestaltet die Geschichte, indem er die traditionellen, technikbasierten Konzepte der Vergangenheit mit der Form vermischt -biegende Verzierungen der Gegenwart; Tropen und Erwartungen werden durch unerwartete Wendungen auf den Kopf gestellt, die das moderne Verständnis über soziale Konstrukte über „Normalität“ und die Unveränderlichkeit der Tradition betonen.

Aus ästhetischer Sicht schafft Lopez‘ Zusammenarbeit mit dem Kameramann Stephen Goldblatt („The Hunger“, „Batman and Robin“) eine filmische Manifestation des Romans, die den gefühlvollen Idealismus dieser Screwball-Klassiker – die es schon immer gab – voll und ganz aufgreift Dabei ging es sowohl um die Infragestellung gesellschaftlicher Normen als auch um Eskapismus – und die stilistisch eleganten Liebesromane der 1950er Jahre, sowohl die überzogenen gesellschaftlich relevanten Melodramen von Douglas Sirk als auch die rassigen Komödien, die durch das sprudelnde Doris Day/Rock Hudson-Juwel „Pillow Talk“ verkörpert werden. in einer filmischen Präsentation voller farbenfroher Farbpaletten und nahezu surrealer visueller Nuancen, die alle großen absurden Komödien der modernen Kinogeschichte kennzeichnen.

Denn täuschen Sie sich nicht: Die Verfilmung von „Rot, Weiß und Königsblau“ ist eine sanft-absurde Komödie im klassischen Sinne. Auf einer Ebene macht es seinen Standpunkt durch die reine Lächerlichkeit einiger seiner absurden Einbildungen deutlich; Andererseits führt es sie durch eine Handlung nach Hause, die zu suggerieren wagt, dass eine bloße Umformulierung unserer Erwartungen ausreicht, um die meisten unserer Einwände gegen Veränderungen veraltet, wenn nicht sogar völlig irrelevant zu machen. Was könnte das besser vermitteln als eine Geschichte über zwei Menschen, die erkennen, dass Verliebtheit wichtig genug ist, um gegen den überwältigenden Strom zu schwimmen? Selbst nicht-queere Menschen können verstehen, wie es ist, sich zu jemandem hingezogen zu fühlen, zu dem man sich nicht hingezogen fühlen darf.

Obwohl diese Themen für jeden, der die Zusammenhänge miteinander verbindet, nachvollziehbar sind, drohen sie niemals, den sentimentalen Ton des Films zu übertönen. Unerschrocken idealistisch, schamlos darauf ausgerichtet, all unsere wärmsten, wohlfühlendsten emotionalen Reaktionen auszulösen und unsere Vorstellungen von der unvermeidlichen Kraft der Liebe zu bekräftigen, spielt es mit seinem Beharren auf der Ehrung des Imperativs der inneren Erfahrung mit ganzem Herzen Hoffnung und Humanismus über die auferlegten Anforderungen einer Außenwelt. In der heutigen Atmosphäre gewissenhaft geführter öffentlicher Persönlichkeiten fühlt sich eine solch scheinbar einfache, aber meist ignorierte Lebenseinstellung nicht nur erfrischend, sondern auch subversiv an.

All dies soll verdeutlichen, dass „Red, White, and Royal Blue“ zwar nichts weiter als eine oberflächliche und vereinfachte Ausstrahlung der Popkultur zu sein scheint, aber mehr als genug solides Material enthält, um es für diejenigen, die es möchten, lohnenswert zu machen Normalerweise meiden wir solche idealisierten, grenzwertig-elitären Privilegiengeschichten, in denen ein Stigma, das in den meisten Klassenhierarchien unvermeidlich ist, dank Ruhm, wirtschaftlichen Vorteilen und (ja, geben wir es zu) Attraktivität überwunden werden kann. Lopez bringt seine eigene queere Erfahrung in den Vordergrund und schafft es, die authentische queere Perspektive von McQuistons Buch zu vermitteln, und das ist es, was seine Adaption des Romans vom Typischen unterscheidet. Nichts von dem, was wir hören, sehen oder fühlen, sind bloße „Lippenbekenntnisse“ – alles kommt aus einer echten Perspektive, in der „Warum nicht?“ gefragt wird. ist eine gültige Antwort auf die Frage, ob so etwas überhaupt möglich ist.

Aus unserer Sicht ist Lopez der wahre Star des Films, aber ein großes Lob gebührt auf jeden Fall der gesamten Besetzung, angeführt von den unglaublich schönen (aber absolut zuordenbaren) Perez und Galitzine, deren beachtlicher oberflächlicher Charme durch die emotionale Wahrheit ihrer Darstellung Gewicht erhält Darbietungen und die greifbare Ladung ihrer Chemie auf dem Bildschirm. Bemerkenswert ist auch eine preiswürdige Nebenrolle von Sarah Shahi als stellvertretende Stabschefin, die den Preis im Auge behält und ihr Bestes tut, um die politischen Folgen der geheimen Affäre zwischen Alex und Henry zu bewältigen, und ein herrlich ironischer Auftritt von Stephen Fry – vielleicht nach Ian McKellen der zweitgrößte stimmlich „out“-queere Schauspieler Großbritanniens – als traditionsbewusster König von England. Thurman, die das Gewicht ihrer „Starpräsenz“ in die Rolle einbringt, sorgt für eine mehr als sympathische Mutter (und Präsidentin) in einer Darstellung, die gegen Tropen spielt, um ein menschliches Element zu finden, das über Bedenken hinsichtlich Ruf und Anstand hinausgeht.

Selbst wenn all dieses Lob einer echten Wertschätzung der künstlerischen Leistung des Films entspringt, heißt das natürlich nicht, dass „Rot, Weiß und Königsblau“ jedermanns Sache ist. Wenn Sie kein Fan von romantischen Komödien im Allgemeinen oder von Filmen sind, die idealisierte Hoffnung in ihre Botschaften einbauen, um angeblich populistische Gefühle zu verstärken, ist das vielleicht trotzdem nicht Ihr Ding.

Aber wenn Sie Filme mögen, die sich die Welt so vorstellen, wie sie sein könnte, und nicht die Welt, wie sie ist, ist das ein überraschend willkommener Leckerbissen, der vielleicht kein so schlechtes Vergnügen ist, wie es scheint.

LGBTQ-Gruppen nehmen im März in Washington teil

Ugander, der wegen „schwerer Homosexualität“ angeklagt ist, könnte mit der Todesstrafe rechnen

Kanada warnt LGBTQ-Bürger vor Reisen in die USA

Schwules Paar aus DC ausgeraubt und mit Pistole ausgepeitscht, aber der US-Staatsanwalt hat noch keine Strafverfolgung eingeleitet